素描理論
素描理論是，素描（DRAWING 、DESSEIN）、速寫（SKETCH），由木炭、鉛筆、鋼筆等，以線條來畫出物象明暗的單色畫，稱做廣義素描。素描是一切繪畫的基礎，這是研究的過程中所必須經過的一個階段。輪廓和線條是素描的一般稱謂。素描具備了自然律動感，觀者從欣賞過 程中可感受這一點。不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係，並包括節奏，主動與被動的周圍環境，平面，體積，色調，及質感。
目錄
理論介紹
素描是一種正式的藝術創作，以單色線條來表現直觀世界中的事物，亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像繪畫那樣重視總體和彩色，而是着重結構和形式。（大不列顛百科全書）
在西洋美術辭典（雄獅圖書公司出版）這本書中，與素描相關的解釋，只有速寫一項，文中認為作品或作品部分的粗略草圖，是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討；它是全幅畫的初步構圖或其中之一。一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄，用來表現風景的光線效果，同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。
素描的地位
⒈素描為一門獨立的藝術，具有獨立的地位和價值。
⒉素描是其他藝術的必然基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻（浮雕），另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。素描雖然被視為是兩度空間 的藝術，不需要顏色及第三度空間，卻也同時暗示這兩者。
⒊素描是畫家工作的最後成果，也可以作為複製或摹寫的基礎，但以它的性質而言，它是獨特的。雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿，但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿，然後用色彩渲染，當藝術作品完成時，素描稿常被掩沒或銷毀。因此，素描只是一種技術準備。到14世紀末，素描不再僅是附屬品，而成為一門獨立的藝術。它有着廣泛的表現範疇：能表現體積、空間、深度、實質和動作。文藝復興以後，素描已不僅只有實用地位，而是成為能代表人類創作能力的藝術品。[1]
技法和種類
線條技法 素描的要素是線，但是線在實質上卻是不存在的，它只代表物體、顏色和平面的邊界，用來作為物體的幻覺表現。直到近代，線才被人們認為是形式的自發要素，並且獨立於被描繪的物體之外。
結構素描 素描是用線條來組成物體的形象，並且描繪於平面之上，藉由線條形式引起觀者的聯想。例如兩條線相交所構成的角形，可以被認為是某平面的邊界；另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。弧形的線條可以象徵拱頂，交會聚集的線條可表現深度。人們可以從線條的變化當中，得到可以領會的形象。因此透過線條的手段，單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。
明暗調子 在素描中可以用線條區分立體與平面，至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。我們可以運用線條的開始，消失和中斷來畫出邊界，並且形成平面，也可使色彩至邊界而上。線條的粗細能表現物體的變化，甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。
明暗素描 素描的線條技法還需要平面技法的輔助。平面技法在使用炭粉筆時，在明暗對照上可用擦筆法。而更重要的是使用毛筆畫法，因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。[2]
素描工具
⒈素描的工具種類很多，如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、[[[毛筆]]、鉛筆和鋼筆等；也有用鑽子和金鋼石作畫的。工具的不同關係着素描的性質和構圖，工具也能影響畫家的情緒和技巧。
⒉工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。一般認為，干筆適宜作清晰的線條，水筆宜於表現平面；精美的筆觸可用毛筆揮灑，而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。炭筆是兩者都可兼用的。
⒊以作品尺寸而言，大幅素描作品適宜用木炭來畫，對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。至於鉛筆適合較小尺寸，很少大張的鉛筆畫，而鋼筆畫則更小了，往往在插畫上用得較多。
素描題材
⒈素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的，後因其流暢、充實和美觀，發展成為獨立的藝術。其題材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和風景為主，而西方的素描常是人物和靜物，到了19世紀又出現以日常生活為題材的素描。其他還有想像和抽象素描、藝術性建築素描等。
⒉至於20世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。其中一些以表現線條豪放為特色。還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中（立體派）。
⒊在20世紀各流派中也有X射線式的技法，即同時看到外部和內部。表現主義畫家追求「表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表」，超現實主義者則着重表現潛意識心理。
⒋除以上所列舉各種形式的素描之外，還有實用性和技術性素描。實用素描要清晰地記載一件客觀事物，從總體上說，它不重審美，而突出技術設計。實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。很多藝術家作過科學說明的素描。
⒌文學作品中的素描插圖，一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明，但因它表現了畫家特有筆法風格，至今還享有崇高的藝術聲譽。與此相關的還有漫畫，這是用於社會批評 而創作的一種假定性圖畫。並由此而發展成連環圖畫，進而演變成現代卡通動畫片。 線條的演變 ⒈線條的解放：（安格爾對繪畫線條的革新）
⑴.在古典主義法則籠罩之下，線條本身除了被用作「完美比例」的度量外，它的功能是被抑制的。
⑵.安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制，而拓展到圖案花紋的形式。
⑶.對安格爾而言，人體的比例並不求自「自然」或實證的實現，他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。這種直接運用線條在畫面的處理，強調畫面的平面性，使事物本身之重要性，附屬於形式要求之下。
⑷.講求結構與形式，而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整，同時並介入了圖案花紋式之構圖。 ⒉強調線條本身意義與表達的特質。 ⒊線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發： ⑴.一個線條在畫面的行進的痕跡，乃接受自創作者內在自發性律動的影響。 ⑵.德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用，不只將線條的功能遠脫離古典傳統，並將素描積極推向繪畫，使繪畫上明顯筆觸的物質性增強，奠定現代繪畫發展的基礎。
東方的素描
⒈西方人認為，純素描在遠東極負盛名，多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描，他們不採用不透明的顏料，而以直接的筆觸造成整體。在波斯--瑞札，阿巴西（RIZA ABBASI，1565年）也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作，把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。
⒉中國的山水，蘭竹，花鳥，水墨畫，實在完全是一種素描，自由瀟灑素雅的感覺。雖然寥寥幾筆，可是這裡面也含着與油畫同樣的條件。也要有氣韻，有強弱，有力量。 ⒊中國早在西元前二世紀就已出現了素描，到漢朝末年，以線描為其特色的壁畫已有很多，北魏和唐朝以後，中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。
藝術家的態度
不少藝術家曾臨摹其他藝術家的素描，如魯本斯（RUBENS；西元1577~1640年）、林布蘭特（REM．BRANDT；西元1609~1669年）及梵谷（VAN GOGH；西元1853~1890年）。臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙，以便再創高峰。這是學習素描極重要的一步，也是準備作畫的不二法門。以下是藝術家對素描的態度： ⒈一種特殊風格：竇加（DEGAS），羅特列克（LAUTREC），梵谷（VAN GOGH） ⒉興趣：林布蘭（REM．BRANDT），哥雅（GOYA） ⒊複製用：杜米埃（DAUMIER），季斯（GUYS） ⒋為鑑賞家而作：卡拉齊（CARACCI）兄弟，保羅·布利爾（PAUL BRIL），拉法吉（LAFAGE） ⒌用素描作饋贈：米開朗基羅
常用語
⒈明度：色相明亮或沈暗的程度。
⒉比例：一部分跟另一部分或整體在量或尺寸方面的關係。
⒊構圖：各部分的一種配置法，依照經過設計的格式，一致的比例，或重複的體系去安排。
⒋輪廓線：描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。
⒌平衡：在設計或繪畫裡，各項元素達到均衡的狀態。
⒍線影：平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。
⒎立體表現法：控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果，使物體有三度空間的特質。
⒏明暗交界線：亮面與暗面的一條交界線（根據物體的結構不同，有時不一定是一條線。或是一個面）一般在明暗交界線的地方顏色最重。
明暗
何謂明暗 指畫中物體受光、背光部分的明暗度變化以及對這種變化的表現方法。物體在光線照射下出現二種明暗狀態，即：亮面、暗面。二大部分光色明暗一般又顯現為五個基本層次，即五大面:① 亮面一直接受光部分；②灰面一中間面，半明半暗；③明單間交界線一亮部與暗部轉折交界的地方；④投影一背光物體的陰影部分；⑤反光一單間面受周圍反光的影響而產生的暗中透亮部分。依照明暗層次來描繪物象，一直是西方繪畫的基本方法。（教學時可任學生自由聯想發揮，喚起舊經驗） 產生的原因 有光源（不論是自然光源、人工光源）照射，才會產生明暗； 沒有光，我們的眼睛將看不到任何東西。 基本法則 ⑴.光源直射處（向光）是明亮部。 ⑵.光源照射不到之處（背光）是黑暗部。 ⑶.反射光所形成的是中間灰色部分。 鉛筆表現方法 ⑴.鉛筆直立地以尖端來畫時，畫出來的線較明瞭而堅實；鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時，筆觸及線條都比較模糊而柔弱。 ⑵.筆觸的方向要整理才不致混亂。 ⒌鉛筆畫使用橡皮擦注意事項： ⑴.初學時往往總覺得畫一筆不滿意時，就馬上用橡皮擦去了，第二次畫得不對時又再擦去，這是最不好的習慣。一則容易傷害畫紙使紙 張留下疤痕，再則畫時就越畫越無把握了，所以應極力避免。 ⑵.當第一筆畫不對時，盡可再畫上第二筆，如此畫時就有一個標準，容易改正，等濃淡明暗一切都畫好之後，再把不用之處的鉛筆線，用橡皮輕輕擦去，這樣整幅畫面就清楚可愛多了。 ⑶.其實畫面上許多無用的線痕，通常到最後都會被暗的部分遮沒了， 我們只需把露出的部分擦去，這樣也較為省力。同時不用的線痕，往往無形中成為主體的襯托物，所以不但不擦去無害於畫面，有時反而收到無形的效果，這是我們不可不注意的地方。 畫面賓主表現 ⑴.前面的，較近的東西，都應表現得強烈而明確；後面的，較遠的東西，都應表現得柔弱而模糊。 ⑵.主體應表現得明確顯着，從屬的客物則應以襯托主物為目的。
素描大師
弗蘭克·奧爾巴赫素描大師——這是繪畫衰落的時代。 還有沒有人知道怎樣畫一幅人體素描？那些從小學而至研究生院畢業的莘莘學子常納悶兒為什麼自己苦修來的素描如此呆板、機械、幼稚、乏味；而同一張白紙、一枝黑炭條，為什麼到了從達·芬奇到德加之類的大師手裡，就能變成生氣勃勃、可以轉着看的三維線描？素描、油畫的偉大的傳統是不是已經成為傳說甚至是神話？那些鋪天蓋地的裝置、行為等所謂「非架上」、「後現代」、「新媒體」、「先鋒」、「前衛」的五花八門的流行藝術形態是否已經把傳統藝術給「斃了」？
幸而還有像弗蘭克·奧爾巴赫這樣的大師。他既守舊又創新開拓。他連通古代、直指具體實在的現在、而又昭示未來。這是真的「新」。他再次告訴人們繪畫能幹什麼、不能幹什麼，他又使得繪畫在其局限範圍內超越自己。這就是羅伯特·奧爾巴赫這個了不起的畫家的傳記所告訴我們的。