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日本畫家，以圓點為標誌

1929 年，草间弥生出生于日本长野县的一个富裕家庭，家里经营着育苗和采种场。童年时期的她就有幻觉和幻听，会感受到花长着人脸，听见动物和植物在说话，她将这些景象画到了素描簿上。她在自传《无限的网》中写道：“我就是以这样的方式，让当下感受到的惊吓和恐惧渐渐沉淀。这些经历可以说是我画画的原点。”在她 10 岁左右时描绘的母亲肖像画中，就已经出现覆盖整个画面的细密圆点。她在书中写道：“在画波点的过程中，我一点点被治愈。”

因为觉得“日本这个国家过于狭小、卑微，封建思想浓厚，对女性的蔑视随处可见。我的艺术需要更加自由、更加广阔的世界”。1957 年，草间弥生前往美国，开始了 16 年的异国创作生涯。

早期经历

草间弥生出生在日本的一个富裕家庭，但她从小性情阴郁。10岁那年，她患上了神经性视听障碍，经她的主治医师诊断还伴随着精神分裂症。草间弥生看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网，同时她也被大量幻觉困扰，因而常常有自杀冲动。于是，她开始用绘画释放恐惧，试着用重复的圆点把自己的幻觉表现出来并沉迷其中。草间弥生当时为母亲画的铅笔画已充满了小圆点。这些小圆点被当作是她与世界沟通的途径，她偏执地画下自己畏惧的东西，使之成为常态，从而进行自我治疗。草间弥生的母亲专心于家族生意，对女儿的疾病一无所知。她认为草间弥生应该成为“收藏艺术品的富家女”而非食不果腹的艺术家。于是，母亲便毁掉了女儿的画布，罚她和工人们一起干活，还经常把她关起来打骂，强烈的恐惧感让草间弥生的精神濒临崩溃。

创作经历

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1955年，26岁的草间弥生在书店里发现了美国女画家乔治亚·欧姬芙的作品。通过一位懂英文的堂兄帮助，她写信给欧姬芙：“虽然我在远方，虽然我在艺术上的道路上才刚刚起步，我还是恳请您为我指路……”深受感动的欧姬芙回信给草间弥生，表示愿意在美国推荐她的作品。虽然童年记忆不尽美好，却极大地激发了草间弥生的创造力。她不但做出了幻觉中那些张牙舞爪跟她说话的花卉植物，还把它们做得越来越庞大，花与植物成为草间弥生后来知名的创作主题之一。1957年，草间弥生拿到了去美国的签证。离开之前，母亲给了草间弥生100万日元，并告诉她永远不要踏入家门。临走时，草间弥生在家外的河堤上毁掉了数千件作品，表达对母亲的愤怒，并决心彻底舍弃过去。多年以后，草间弥生回忆：我当时非常清楚，如果想在艺术上走得更远，必须逃离日本这个封闭的地方，必须越过家乡这座高山去触摸外面的世界。草间弥生在日后的小说《中央公园的毛地黄》中展现了自己的早年经历：孤独潦倒，身无分文。她夹着自己的画在城市中的画廊间穿梭；在租住的公寓里，半夜会被冻醒，一直画画到天亮；从街边的垃圾篮中拾起鱼头和被丢弃的烂菜叶，并用这些材料熬一碗热汤。^[1]

1959 年，在布拉塔画廊举办的首个草间弥生纽约个展中，展出了她的巨幅网点绘画作品《无限的网》——整个画面没有视觉中心，只有细微的网覆盖。当时的纽约还处在以杰克逊·波洛克为代表的抽象表现主义阶段，这种极微的画面给当时的美术界以巨大冲击。这次展览成为草间弥生在纽约为人们所熟知的一个契机，而她本人也成为抽象表现主义向极简艺术、波普艺术转型时期的先驱人物。

在美国期间，草间弥生还创作了以“性”为主题的软雕塑作品、“无限镜屋”装置和灯光装置作品，开设了草间时装有限公司（售卖自己设计的服装和纺织品），自制自导电影《草间弥生的自我消融》。

1964年，草间弥生组织了名为“千船会”的展览，她把阴茎模样的软雕塑塞进船里，摆满了整个房间，房间的周围都是这些作品的图片。那些突出的阴茎从墙壁上的印刷品中得到回应，所有人都感觉被淹没其中。由于受精神疾病的影响，草间弥生还将极度重复扩展到雕塑和装置艺术领域。在草间弥生“千船会”展览的开幕式上，安迪·沃霍尔带着极震惊的表情观赏且对其完美表现大加称赞。相同时间段，安迪·沃霍尔就像经营模仿品的批发店般不断吸收周围的一切元素。三年后，安迪·沃霍尔在个展上所展示“牛首交错”的作品，可以看出受到了草间弥生的影响。有趣的是，1966年，安迪·沃霍尔的展览“牛首交错”和“千船会”形式相似。草间弥生在接受媒体采访时，多次指出包括安迪·沃霍尔在内的美国艺术家曾经借鉴过自己的想法，而这些人在美国功成名就。即便是在举办轰动一时的“千船会”展览后，草间弥生还是不被纽约主流艺术圈所认可，甚至总在财务上深陷困境。

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1966年，她在威尼斯双年展时的户外装置艺术，是以两美元一颗的价格直接销售展出的银球作品，她试图以这个举动来批判当局反对艺术家出售自己的作品。

1967年，当得知无法获得预期的展出机会时，她开始自己演出。草间弥生的标志性圆点蔓延到千奇百怪的物体表面之后，又铺到了现场行为表演的裸体之上。

1968年，草间弥生疯狂组织“人体炸裂”的系列裸体集会后，迅速成为美国媒体追逐的对象。她化着浓妆、披着长发、穿着自己改制的奇装异服，依傍“自由女神”像或在中央公园的“仙女爱丽丝”雕像处恣意地表演。人潮从四面涌来，每个观众需要付两美元“门票”。借此行为艺术，草间弥生终于获得了不错的收入。

1969年，在纽约现代艺术博物馆（MoMA）的一次展览之后，这个日本女人成为《纽约时报》的封面人物，其头版图片的副标题却是：“但，这是艺术吗？”草间弥生内敛而安静，年轻东方女性的面孔在纽约艺术界非常新鲜。而在行为表演中，她疯狂且投入，彻底释放甚至裸露登场。她的一些老朋友开始疏远她，认为草间弥生为求成名已经把自己降格到非艺术家行列。远在日本的草间弥生家人得知她在公共场合的放荡言行后深感恐惧，彻底终止了和她的联系。

70年代初时，草间弥生迎来了她在纽约最辉煌的时期。当时的波普明星安迪·沃霍尔在他的工厂养着各式各样的嬉皮士、吸毒者和同性恋演员。同样，草间弥生身边随时都簇拥着一群嬉皮士，保护她不受各种社会保守人士威胁恐吓。她还拥有一个名为“草间舞蹈团”的裸体舞蹈团，团员都是16至20岁的美少年同志，她把这些美少年安顿在纽约东村的工作室里面，而她本人则常常在背后冷静地看着这些美少年毫无禁忌地疯狂派对。

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1971年以后，草间弥生逐渐把注意力转向小说创作，并停止了自己的激进行为。这位艺术女王还把她的圆点延伸到其他创作上，建筑、时装、靠垫、手机、汽车等都在热卖，昔日纽约轰轰烈烈的“前卫女王”至今依然引领时尚。

1973 年，草间弥生回到日本。但当时的日本社会将她在美国的一系列创作行为视为“丑闻”。在回国的初期，她采取了不同的创作媒介——版画、粘贴画、小说和诗歌等。直到 1989 年在纽约的国际当代艺术中心举办了草间弥生的回顾展，日本国内才大幅度改变了对她的评价——将其看作“直接面对日本封建社会的女艺术家”，重新审视了她的作品。

进入 21 世纪后，草间弥生在国内外举办的国际性展览上多次发表艺术作品，尝试大型的室外雕塑和装置艺术。作为草间弥生标志性的符号，以圆点为主题的立体作品为更多人所知和接受。

2004 年-2007 年，草间弥生绘制了 50 幅黑白马克笔画《永恒的爱》。2009 年至今的十年里，又创作了 550 幅布面丙烯画《我的永恒灵魂》，这一系列还在持续创作中。这些画作以正方形的尺幅，反复出现的眼睛、侧脸、圆点、波纹、嘴唇和阴茎等图案，再现着她内心的世界。

在漫长的创作生涯中，草间弥生一直保持着旺盛的创造力。她在纪录片《草间弥生之最爱》中说：“当我面对画布的时候，我脑袋一片空白。当我画画的时候，各种灵感都会随时上脑。我脑袋里会出现完整的图像，我就按着它画下去。”^[2]